Dia desses assisti novamente ao filme Persona, de Ingmar Bergman. É incrível como a cada vez que o vejo percebo novos detalhes, novas possibilidades de interpretação, e aos poucos vão ficando mais claras na minha mente as influências das suas imagens na minha forma de ver o cinema e até mesmo a própria realidade (afinal, acho que é nisso que a arte consiste, essencialmente – uma forma peculiar de perceber a realidade e traduzi-la em uma linguagem estética).
Persona não é entretenimento... É um filme difícil, por vezes cansativo, e com um enredo mínimo, e por isso mesmo ele é tão importante, pois explora a linguagem do cinema em sua plenitude, utilizando não apenas seus diálogos, mas principalmente suas imagens, sons, fotografia e edição para analisar o processo de construção, desconstrução, troca e fusão de personalidades, bem como o uso de máscaras sociais, o cinema e o teatro como representação da realidade e a relação de “vampirismo” estabelecida por essas formas de arte, na medida em que os atores buscam na realidade e nas outras pessoas elementos para construírem suas personagens... Daí a referência à persona, que tanto pode ser a máscara utilizada no teatro grego, como a própria máscara social que as pessoas criam para si.
Pelo fato de utilizar esta linguagem predominantemente visual, esta obra desmistifica a necessidade de uma explicação racional e contextualizada de cada imagem em um filme. Utilizando a estética para comunicar emoção, percepções subjetivas ou as próprias idéias e questionamentos que o motivaram, Bergman suplanta a necessidade de uma história coesa, de um enredo em sua concepção tradicional. O resultado é uma experiência quase onírica, em que a idéia de sonho é sempre quebrada, no entanto, pela noção de que estamos assistindo a um filme, a uma representação. E é, na verdade, justamente essa persistência do diretor em tornar evidente que aquilo a que estamos vendo trata-se apenas de um filme que torna esta obra tão peculiar e que gerou em mim tanto entusiasmo.
Explica-se: um ou dois meses depois de ver Persona pela primeira vez (e ainda com o filme na cabeça, perplexo), comecei coincidentemente a ler Argumentação contra a morte da arte, de Ferreira Gullar, livro indicado por uma amiga e que defendia a idéia de que a sucessão de vanguardas e a necessidade por inovações artísticas levaram à destruição da linguagem estética. Pois bem, tal livro despertou-me bastante entusiasmo e um dia, especificamente, li sobre o momento da história da arte em que os artistas sentiram necessidade de acabar com a reprodução perfeita da realidade e evidenciar a forma de representação, seja de modo sutil, utilizando novos materiais, deixando visível uma pincelada ou partes do quadro incompleto, ou até mesmo expondo telas em branco, rasgadas, perfuradas, para evidencia-las como instrumento da representação buscada pelo artista. Em todos os casos, o foco do livro na discussão a respeito desse momento da arte estava voltado às artes plásticas, mas foi a partir daí, no entanto, que percebi que era exatamente isso, também, que Bergman havia buscado em Persona: criar um filme metalingüístico, não no sentido de abordar o cinema e a produção de filmes em seu enredo, mas sim de gerar a reflexão a respeito dessa forma de arte por meio da própria construção do filme e de suas imagens, quebrando a ilusão, o “mundo fantástico da sétima arte”, para mostrar que o cinema consiste, acima de tudo, em uma representação, uma forma de linguagem, de exposição de idéias e de acepção da realidade. Assim como os pintores que pretenderam questionar a função de seus quadros rasgando suas telas e transformando-as na própria obra, ao invés da utilização da habitual representação pictórica, Bergman também utiliza-se de um efeito visual para literalmente rasgar a película do filme em um dos momentos-chave de sua obra (criando uma das cenas mais impressionantes já vistas no cinema). Somam-se a esse artifício a seqüência inicial que mostra diversas cenas de diferentes linguagens cinematográficas (cinema mudo e desenho animado, por exemplo), ou a própria cena que antecede essa seqüência e abre o filme, mostrando um projetor e a película que começa a ser projetada, assim como a cena próxima ao final em que é mostrado o cineasta com sua câmera. Em todos esses momentos, Bergman estimula a reflexão sobre o cinema, o teatro, a expressão artística, sua impotência diante das atrocidades humanas e o seu papel como instrumento para a compreensão do ser humano, da realidade.
O filme, claro, permite inúmeras interpretações. Ele pode ser visto também, por exemplo, pela vertente religiosa, abordando a questão do pecado e do sacrifício humano, ou como uma reflexão sobre os problemas da maternidade, ou ainda como uma análise das relações sociais, da inveja, do ressentimento... O melhor, no entanto, é deixar-se envolver pelo clima onírico da história, por suas imagens hipnóticas (algumas extremamente sombrias) e desfrutar de uma ousada experiência da sétima arte.

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P.S. Bom, não quero parecer um intelectualóide, daqueles que acham que uma obra precisa ser complicada ou até mesmo ininteligível para que reflita a capacidade do seu autor ou a sua importância artística. E não quero com isso parecer inteligente também, muito pelo contrário: não dá para contar aqui mas garanto que é cômica a história da primeira vez em que vi esse filme. Adoraria ser outra pessoa, naquele momento, só para ver minha cara de perplexidade, em frente à tela... :P De qualquer forma, é muito bom (embora seja também, infelizmente, muito raro) encontrar um filme que nos desafie tanto, intelectual e emocionalmente, mesmo que à custa de um pequeno golpe em nossa auto-estima.